Como fazer uma foto cinematográfica? Fotógrafo explica tudo

Tenho certeza que nos últimos anos todos nós, fotógrafos, ouvimos tanto a palavra cinematográfico que, no final, ela pode ter perdido todo o significado. Todas as fotos com um grau de cor ciano-laranja são “cinemáticas”? Eu diria que não. Então, hoje vou tentar explorar quais são os fatores que contribuem para que uma imagem seja cinematográfica e o que pode fazer ou quebrar a vibração cinematográfica de uma cena.

Tudo começou enquanto eu assistia a um vídeo do Grainydays no YouTube onde Jason estava usando uma câmera panorâmica, a Fujifilm TX-1. É uma câmera vintage que cria imagens panorâmicas expondo duas fotos em filme ao mesmo tempo para obter uma imagem com uma proporção de 65 por 25.

Todo o conceito despertou meu interesse, mas como não tenho cerca de US$ 6.000 para gastar em uma câmera vintage e também não faço filme, fui pelo caminho do DIY e colei duas tiras de fita adesiva no LCD do meu câmera e a tirou para um teste.

No começo, parecia muito estranho e restritivo. Meu cérebro estava lutando um pouco, mas a proporção ampla me inspirou. Foi semelhante ao que eu vi em filmes e foi forçado a incluir mais contexto com meus assuntos em cada quadro. Depois que cheguei em casa, fui em frente e cortei todas aquelas fotos para 65 por 25 e fiquei surpreso com algumas das capturas.

Eles eram muito diferentes, e meu método usual de pós-processamento não estava funcionando muito bem neles, então optei por um grau de cor mais parecido com filme e coloquei mais intenção em escolher a cor e o clima de cada foto.

Então, isso levantou a questão: o que torna uma foto cinematográfica?

Proporção da tela

Para mim, foi aí que começou toda essa busca pelo visual cinematográfico, e não há dúvida de que uma proporção ampla como 16:9, 2,35:1 ou mesmo 64:25 dará ao espectador uma experiência mais cinematográfica. Eu acredito fortemente que nós fotógrafos não experimentamos o suficiente com proporções e que alguns deles são muito mais úteis quando se trata de contar uma história do que outros e nós humanos somos propensos a associá-los a coisas que vimos antes, como o cinema para proporções amplas, filme de médio formato com uma aparência mais quadrada de 4:5 e assim por diante.

Por outro lado, você achará difícil mostrar fotos panorâmicas nas mídias sociais. As pessoas consomem cada vez mais conteúdo em seus telefones, e é um fato bem conhecido que as imagens de retrato se saem melhor apenas porque ocupam mais espaço na tela. Fotos amplas podem ficar ótimas em uma tela grande, mas são terríveis quando miniaturizadas em um telefone.

Exposição

A luz é sempre o mais importante, não podemos ter fotografia sem ela. Nos últimos anos, notei uma tendência de iluminar todas as sombras para ter o máximo de detalhes possível na tomada enquanto o mundo do cinema seguia em uma direção diferente.

Muitos filmes estão caminhando para um visual mais sombrio e sombrio com sombras profundas, e isso é intencional! No meu caso, descobri que, se houver detalhes em cada canto dessas fotos, há muita informação e é fácil confundir o espectador. Como eu estava usando o LiveView em vez do visor óptico, pude ver minha exposição em tempo real e, muitas vezes, estava fotografando em torno de -0,7 a -1,3EV. As sombras desempenham um papel muito significativo. Seus olhos não enxergam no escuro, então por que produziríamos imagens com esse tipo de faixa dinâmica?

Cor

A paleta de cores que você escolheu para uma imagem, seja na pós-produção ou durante a filmagem, influenciará todo o clima da cena. Associamos certas cores a sentimentos e emoções. Por exemplo, uma cena em que tudo é azul pode parecer fria, solitária ou calma, dependendo da tonalidade, e uma cena em que o vermelho é a cor dominante pode dar ao espectador a sensação de poder/raiva da mesma forma que algo rosa pode sugerir que o assunto é fofo.

Aqui, novamente, podemos notar diferentes tendências na fotografia e na cinematografia. Enquanto alguns fotógrafos podem ficar tentados a optar por uma predefinição ciano-laranja e encerrar o dia, uma abordagem mais cinematográfica seria tentar entender o clima que você está tentando criar com sua foto e desenvolver uma paleta de cores com base nela. A abordagem mais fácil é começar com duas cores complementares que já estão na sua foto e construir uma paleta inteira nessa base sólida com ferramentas como a cor adobe. O ponto de partida mais comum e às vezes chato é ciano-laranja porque a pele humana pode ser aproximada ao laranja, enquanto o céu pode ficar ciano com bastante facilidade, mas eu desafio você a tentar fotos verde-vermelho e roxo-laranja.

Um outro truque muito útil é tentar combinar elementos de cores que tenham tons semelhantes em sua foto. Por exemplo, se você tem um carro azul profundo perto de um prédio de tuques e o céu também é azul claro, você pode tentar aproximar todos esses tons frios e torná-los todos da mesma tonalidade. Limitando O número de cores que você tem em sua imagem final tornará mais fácil de entender é por isso que você vê a maioria dos graus de cor laranja-ciano transformando os verdes e os magentas em tons de cinza.

Luz

Esta seção é mais para fotógrafos de retratos. No cinema, na maioria das vezes, o principal objetivo ao montar as luzes é copiar a realidade. Portanto, se você planeja tirar fotos cinematográficas, adicionar um motivo para uma luz ter uma determinada direção será benéfico.

Por exemplo, se você tem uma luz laranja vindo do lado direito de um modelo, pode ser uma ideia interessante ter também uma lâmpada ou uma janela na foto que justifique a direção da luz. Uma outra coisa que você verá nos filmes repetidamente é a luz de Rembrandt com o lado mais escuro do rosto mais próximo da câmera, é uma maneira muito básica de iluminar uma pessoa enquanto é extremamente lisonjeiro. Também iluminar por trás e atirar contra o sol são técnicas que valem a pena experimentar. Não ter sua fonte de luz maior e mais brilhante no rosto do seu assunto pode adicionar uma camada de mistério e profundidade à filmagem.

Localização

Muitas vezes somos tentados a dizer que nossas cidades não são tão cinematográficas, só porque as vemos todos os dias, e elas podem parecer muito diferentes das coisas icônicas que vimos repetidamente. No cinema, existem muitos estereótipos quando se trata de cidades e como elas se parecem. Eles usaram tanto alguns deles que, por exemplo, se você vir uma praia com palmeiras e céu azul com tons quentes e pouca ou nenhuma sombra, você pensará que está em LA. Da mesma forma que você pensaria que é Nova York se visse prédios altos com muitos tons de cinza e muita sujeira.

Pessoalmente, entendo e desprezo isso. Facilita muito o reconhecimento de um determinado lugar, mas acho que você pode criar um determinado visual para sua cidade sem passar pelos looks que já foram estabelecidos para ela. Use sua criatividade e crie o clima que você deseja com sua história.

Camadas

Com esse tipo de proporção ampla, você tem muito espaço ao redor do assunto que precisa preencher com algo. Tudo na filmagem faz parte da história que você está tentando contar, então adicionar camadas à imagem enriquecerá a experiência do espectador. Use-o para adicionar detalhes importantes para a história. Ter algo em primeiro plano, mesmo algo tão pequeno quanto algumas gotas de água na lente ou um filtro de névoa, afetará a foto final.

Da mesma forma, tudo o que está em segundo plano ajudará você a definir o clima e criar um contexto para o assunto. Até a qualidade do ar. Muitas vezes, se você fotografar dentro de uma sala, adicionar um pouco de neblina ou fumaça criará muita profundidade às suas imagens, ao mesmo tempo em que dará um brilho incrível às luzes que você tem no quadro. Quanto mais camadas você tiver, mais complexa será sua imagem, então não tenha medo de simular imperfeições da lente ou granulação do filme também. Se você está tentando emular um visual de filme vintage, a qualidade da imagem final deve corresponder à época em que você está tentando colocar sua história.

É sobre emoção

A coisa mais importante na cinematografia, eu diria, é a capacidade de um determinado plano de adicionar detalhes à história, de imprimir emoções no espectador ou de aprimorar as ações representadas. E nós, como fotógrafos, temos muitas ferramentas à nossa disposição para conseguir exatamente isso.

Eu não acho que uma certa proporção ou um grau de cor fará com que cada cena pareça cinematográfica – não a longo prazo. O que faz algo parecer cinematográfico é colocar a intenção por trás de cada elemento da sua foto. Tudo em uma cena contribui para a história que você está tentando contar e, se você colocar a intenção por trás de todos os elementos, será uma experiência mais rica para todos que observarem seu trabalho.

Quanto ao experimento de fita do gaffer, eu encorajo todos vocês a experimentá-lo, mas certifique-se de usar alguma fita que não deixe nenhum resíduo em suas telas.

Sobre o autor: Vlad Moldovean é um fotógrafo de Brasov, na Romênia, que iniciou sua jornada fotográfica como um fotógrafo de retratos autodidata, pintando uma das paredes de seu quarto de branco para usar como pano de fundo. Atualmente, ele experimenta uma ampla gama de técnicas e tecnologias como fotografia aérea 360º, fotografia infravermelha e fotogrametria. Como um geek da fotografia, Moldovean encontra-se sempre à procura de formas de criar algo diferente e adoraria um dia poder ajudar as empresas a criar produtos que melhor se adaptem às necessidades de outros criativos.