15 técnicas incríveis para composição de fotos

Como avanço tecnológico, mais do que nunca, os fotógrafos e amantes da fotografia têm acesso a diversos equipamentos e acessórios para fotografar! Mas é a pessoa por trás da câmera que ainda faz a maior diferença. Por isso, é importante os fotógrafos dominarem as técnicas fundamentais da fotografia, principalmente as técnicas de composição, para fazer cliques cada vez melhores. Esse post guiará você por muitas técnicas de composição diferentes que podem ser implementadas, indiferente se você use um smartphone, um celular ou uma câmera DSLR, Mirrorless, etc.

O que é composição de fotos?

A composição é usada em todas as áreas da arte, da fotografia à pintura, e é o que separa os estilos de arte. Uma arte bem composta clama por atenção e, uma vez que prende o público, transmite a mensagem pretendida. Por outro lado, a arte com composição enfadonha fará o oposto. Na fotografia, composição pode ser definida como o posicionamento estratégico de elementos dentro da cena que faz com que a atenção do observador seja atraída para o assunto da imagem.

Técnicas de composição para capturar fotografias extraordinárias

Aqui estão algumas das melhores técnicas de composição usadas por fotógrafos profissionais para dar vida a suas fotos!

# 1: Regra dos terços

Na verdade, não existem regras rígidas quando se trata de fotografia. Essas “regras” são diretrizes rígidas que você pode seguir para criar recursos visuais poderosos. Imagine a imagem em uma grade 3 por 3. Na verdade, muitas câmeras de smartphones agora têm esse recurso integrado. Em vez de seguir o instinto natural de colocar o assunto no centro exato de uma imagem, os profissionais colocarão o assunto em uma área onde as linhas de grade se cruzam.

Se você estiver tirando uma foto de uma paisagem, coloque o objeto de referência ao longo da linha vertical à direita ou à esquerda do centro. Isso tem um impacto muito mais poderoso do que colocar o assunto no centro.

Um indivíduo olhando para um pôr do sol terá muito mais apelo visual se for colocado na linha vertical à esquerda ou à direita do centro, voltado para a maior área do quadro.

# 2: Regra de probabilidades

O cérebro humano gosta de processar objetos em pares pares. Portanto, essa técnica é baseada no fato de que quando o cérebro vê um número ímpar de objetos, eles não podem ser pareados, e isso faz com que a mente se concentre mais. Ele chama a atenção do espectador e força o foco no assunto.

Imagine tirar uma foto de uma coleção de arte do museu. Às vezes, pode ser uma boa ideia reunir três peças de arte em uma única imagem do que combiná-las. Aquele que está deslocado do padrão imediatamente chamaria a atenção do visualizador.

# 3: Regra do Espaço

A regra do espaço força a atenção do público a uma direção específica ditada pelo fotógrafo. Mas para um objeto manter a ilusão imóvel de viajar, ele deve ter mais espaço deixado à sua frente do que atrás.

Por exemplo, se um indivíduo está caminhando ao longo de uma calçada, a imagem deve ser enquadrada de forma que pareça que está se movendo para um espaço maior.

Um avião precisaria ter mais céu à sua frente, dando a impressão de se mover para um espaço aberto.

# 4: Regra do Triângulo Dourado

Os triângulos podem adicionar energia a qualquer cena, mas isso deve ser feito de uma maneira muito específica. Resumindo, esse tipo de prática tira fotos em um ângulo para que os objetos dentro da imagem criem uma forma de triângulo. Aqui está uma explicação.

A maioria das imagens que as pessoas veem contém certas linhas horizontais e verticais que criam formas geométricas rígidas. Todo mundo está acostumado a ver isso, então esse conceito encontra novos ângulos para que as linhas verticais e horizontais se tornem diagonais. O que acontece é que esses tipos de curtas pegam os sentidos das pessoas desprevenidos porque elas simplesmente não estão acostumadas a ver esses ângulos nas imagens.

# 5: Centralizando o objeto

Neste ponto, foi estabelecido que o centro do quadro não é o lugar ideal para o assunto, então aqui está uma pequena curva. Há momentos em que centralizar o assunto é a melhor escolha. O problema é que a maioria das pessoas faz isso o tempo todo e, como resultado, perdem oportunidades de capturar fotos de tirar o fôlego. Às vezes, cenas simétricas são uma escolha perfeita.

Na maioria dos casos, a arquitetura deve ser centrada por causa de como é geometricamente agradável aos sentidos. O público espera ver esses tipos de objetos centralizados porque isso cria um senso de ordem.

Uma fotografia contendo um reflexo seria outro caso em que a composição centrada funcionaria. No entanto, esta é uma instância em que a criatividade pode ser usada para combinar mais de uma técnica. Por exemplo, um homem parado em um lago refletindo sobre a água seria colocado no centro, enquanto o próprio lago poderia cair ao longo da linha vertical seguindo a regra dos terços.

# 6: Profundidade de campo

Esta técnica de composição envolve o uso do primeiro plano para adicionar profundidade à imagem. Uma das grandes coisas sobre as fotografias é que elas são 2D por natureza, então os fotógrafos devem ser inovadores para não permitir que isso os restrinja. A profundidade de campo fornece uma sensação mais 3D às imagens.

Por exemplo, uma profundidade de campo rasa permitirá que o foco seja colocado em uma área menor e mais focada da foto. Esse estilo torna óbvio para onde o fotógrafo deseja que os espectadores olhem.

Em contraste, usar uma profundidade de campo profunda amplia esse foco e faz maravilhas em nichos como a fotografia de paisagem, quando uma profundidade rasa pode ser confusa.

# 7: Equilibre os elementos

Este conceito é conhecido como equilíbrio formal. A composição que a maioria das pessoas usa em fotografia é o equilíbrio simétrico, que é a arte de colocar o assunto principal diretamente no centro da foto. O importante é que os elementos da cena sejam equilibrados, não apenas o assunto principal. Usando essa técnica, o fundo pode ser centralizado, enquanto o assunto fica fora do centro. Claro, há momentos em que o assunto também seria centralizado.

Seguindo as diretrizes estabelecidas nesta postagem, pode parecer muito enfadonho colocar uma pessoa no centro de um retrato. Essa é geralmente a regra, mas equilibrar os elementos abriria uma exceção durante as fotos tiradas no Oscar ou durante uma sessão de beleza em close.

Dois pontos de referência também podem ser posicionados em uma foto, de modo que criem simetria em uma foto. Certifique-se de posicionar visuais menores para que eles criem um equilíbrio dentro do quadro. 

# 8: Linhas Principais

Este é um dos maiores captadores de atenção que existe! O que acontece é que o fotógrafo usa linhas naturais para apontar o observador para o centro das atenções. Essas linhas podem ser padrões, caminhos, caminhos, edifícios e até paredes. Seja qual for o padrão, essas linhas estão sempre apontando para o assunto.

As linhas principais são uma composição extremamente divertida. Escolha um ângulo em que o ambiente natural produza linhas que apontam literalmente para o assunto.

Esta técnica também não depende de linhas retas. As linhas curvas principais podem ter o mesmo tipo de impacto.

# 9: Padrões e texturas

Os humanos amam padrões e hábitos previsíveis. Todos seguem padrões específicos que variam de acordo com a rotina. Talvez eles estacionem no mesmo lugar na mercearia ou passem pela loja da mesma maneira todas as vezes. A questão é que as pessoas adoram padrões, mesmo na arte. Eles exigem atenção e destacam elementos específicos em uma foto.

Imagine padrões de pedra no chão ao capturar a imagem de um marco histórico, que por si só provavelmente teria ainda mais padrões para adicionar à imagem. Este cenário pode ser composto por um fundo contrastante para adicionar ainda mais textura.

Ou talvez combine-o com a técnica de moldura dentro de uma moldura para adicionar texturas e padrões mais exigentes à foto.

# 10: Preenchendo o quadro

Aproxime-se das imagens antes de fotografá-las para que o objeto preencha o quadro! O tamanho do assunto afeta diretamente a quantidade de energia que ele contém. Em outras palavras, itens maiores são vistos como mais importantes. Essa técnica funciona em circunstâncias em que o poder do espaço negativo pode não se aplicar.

Dito isso, os fotógrafos precisam ter cuidado aqui porque o espaço negativo geralmente é preferível. O preenchimento do quadro geralmente funciona com uma série de fotos em que várias tomadas mais amplas precedem a tomada de close que preenche o quadro.

# 11: Quadro dentro de um quadro

Essa técnica adiciona profundidade a uma imagem e é um truque bacana usado por fotógrafos profissionais em todo o mundo. Procure por objetos como arcos, portas, túneis ou até galhos pendentes – qualquer coisa que crie a estética de uma moldura. Lembre-se de que o “quadro” não precisa circundar completamente o assunto para ser eficaz. 

Além disso, os melhores quadros para essa técnica são aqueles encontrados naturalmente. Eles não precisam ser feitos pelo homem. Qualquer coisa que crie a sensação de uma moldura ao redor do assunto funciona.

# 12: Saindo do Espaço Negativo

O espaço negativo pode desempenhar um grande papel na fotografia e seguir essa técnica pode explorar todo o potencial de certas cenas. O espaço negativo em uma imagem ocupará a maior parte da imagem, fazendo com que o assunto pareça ainda mais importante.

O contraste do tamanho aqui torna o assunto principal ainda mais notável à medida que a curiosidade humana assume o controle. Os espectadores tendem a levar mais tempo para olhar para uma foto com espaço negativo porque isso cria um assunto menor e mais curioso que requer mais foco para ser notado.

Os fotógrafos descobriram até como usar o espaço negativo para criar fotos com mais de um assunto principal.

# 13: Tornando-se minimalista

A fotografia minimalista é elaborada a partir dos conceitos que cercam o minimalismo no mundo da arte. Simplificando, a arte minimalista usa o menor número possível de detalhes para transmitir a mensagem. O objetivo é evocar emoções específicas sem bagunçar a imagem com detalhes desnecessários.

Essa técnica vem com seus desafios, e o maior obviamente é escolher quais elementos remover, mantendo o mesmo apelo emocional. No entanto, o minimalismo forçou os artistas a olhar para o mundo de uma maneira totalmente nova e a vê-lo de maneira diferente.

# 14: Fundo de contraste

O contraste do fundo é uma técnica que melhora a composição geral da imagem e realmente destaca o assunto. O conceito é cercar o assunto com cores e / ou iluminação contrastantes para que exija atenção.

Um dos exemplos mais comuns de uso de contraste em fotografia são as imagens monocromáticas. Isso permite que os detalhes e texturas do assunto se tornem predominantes na foto.

O contraste tonal é outro exemplo, utilizando cores para criar um equilíbrio, oferecendo um fundo mais claro para assuntos em tons mais escuros ou vice-versa.

# 15: Regra de fotografia da esquerda para a direita

Objetos móveis foram discutidos anteriormente neste post, então esta regra complementa aquela. Quando o assunto está se movendo em uma fotografia, geralmente é melhor que ele se mova da esquerda para a direita. O cérebro humano reage melhor a isso, e isso deixará uma sensação de admiração. Por exemplo, um fotógrafo pode acentuar o efeito desse movimento diminuindo a velocidade do obturador de sua câmera e aumentando a distância focal, criando assim o que é conhecido como borrão de movimento.

Via: Smart Photo Editors

A Smart Photo Editors (SPE) é uma empresa líder em edição de imagens que oferece assistência de pós-processamento de fotos a estúdios, fotógrafos profissionais e agências. Com serviços especializados como serviços de Photoshop, serviços de Lightroom e mais.